惊叹不停机

印象最深刻的是：开机前临时换演员，小鲜肉男主角表示不接受，导演安慰他“这是你的作品，没有你就没法开始”结果开拍后导演即兴发挥怒拽小鲜肉吼到“小屁孩不要插手！这是老子的作品！！”

这完全是在报复嘛 哈哈哈哈。。。。。

之前女主角表示不能接受呕吐物射颜，还要用眼药水助泪，结果开拍后导演怒骂女主角“你整个人生都很虚假，你这辈子都在撒谎！”

导演开拍之前一副老实人的样子。。。。。。。

终于，在2018年，我们等来了这部神作——《摄影机不要停》（One Cut of the Dead）。

有多神呢？

一开始，日本只有两家电影院愿意播放这部电影，播放后却因为口碑爆棚，不断被加映、再加映，最后加映到观众自愿成立后援队为这部电影摇旗呐喊。此外，这部电影的所有成本总共才18万，赢得的票房却有1.8亿元。

另外，某个经常出没于各种电影节的装逼影评人，这次也毫不犹豫地送出了“五星好评”，而在此之前，他已经连续两年没有给过任何电影五星了。

遗憾的是，这部岛国小成本神作，还没有被引进国内（不过网上已有资源流出）。

1、苦逼的导演

这部电影的导演——上田慎一郎，是个80后，今年34岁。作为电影爱好者，他之前只拍过8部短片。

不像其他导演动不动就得个奖、走个红毯，生活中的上田慎一郎非常苦逼：他没钱了就睡在公园里；好不容易打工挣来一些钱却被骗子骗走了.....

就这样，上田慎一郎凭实力活成了“苦逼慎一郎”。

唧唧复唧唧、苦逼又苦逼。

为了节省拍摄费用，上田慎一郎只能请他的狐朋狗友出演电影里的主要角色，因为请知名演员实在太贵了。上田慎一郎在公开场合曾说：“我也想请广濑丝丝来演，但是人家的出场费太高了，一天就要好多钱。”

《海街日记》中的广濑丝丝

为了节省制作费用，上田慎一郎把自己的房子让出来供剧组拍摄使用；就连演员们的服装，也是大家自己用剪刀漫不经心地剪出来的。

另外，上田慎一郎自己还身兼导演、编剧、剪辑多职，因为请人做要花很多钱。

但是，这么多的苦逼，拼凑出的却是一部创意满满、口碑爆棚的神作。

2、18万元能拍出啥？

《摄影机不要停》的剧情很简单，它既不烧脑、烧心，也没啥视觉上的观感，用一句话概括就是：一段37分钟的长镜头视频+这段视频的拍摄过程。

这段长镜头拍的到底是啥子？

一个穷逼剧组在一个废弃的工厂拍摄一部丧尸片，拍摄过程并不顺利，因为女主角演技实在太挫，导演要求她表现出恐怖的表情，她却怎么都不能让导演满意，导演一边骂着，她一边忍着。

拍着拍着，工厂里出现了真的丧尸，于是演员和导演开始了暴走之旅，他们上蹿下跳：一会跑到车里，一会跑到房顶，与真丧尸大作战。

这他妈什么玩意儿？

是啊，看过这段视频的人都这样评价，有的人气不过，还在这句“这他妈什么玩意儿”前面加了一句“我操！”。

真的，我特别能设身处地、感同身受地理解这些观众，因为我也忍不住骂了一句“这他妈什么玩意儿”，这段视频别说是拍过8部短片的导演能拍，我觉得只要把身患偏瘫的吴老二扶起来，他也拍的不差。

坚持看不下去的人，转身去看《喜羊羊与灰太狼》，我能理解。但是能够坚持看完这部作品的人，我真心为你感到高兴，因为精彩的确实还在后面。

后半段是前面一段视频的拍摄过程，精彩之处就在这段。

为了拍摄前面那段长镜头，这个穷逼剧组出尽了洋相：

马上到丧尸大叔出场了，他却偷偷喝了酒并且喝得不省人事，“导演”用铁砂掌都打不醒他；

等到光头丧尸要化妆上场了，他却非要去拉屎，没办法，他只能一边拉屎，女化妆师一边给他化妆；

为了拖住太过入戏的大妈，不让她自由发挥，只能把她打晕，然后制造她被砍死的场景；

最后，摄影杆又被摔坏了，为了拍摄那个俯视镜头，全剧组只能叠罗汉，“导演”站到最上面手持摄影机来拍....

整个拍摄过程既艰苦、荒唐，又充满创意和笑点。

3、到底是不是神作？

毫无疑问，《摄影机不要停》是一部优秀的娱乐片，它的亮点有很多，首先是它37分钟的长镜头，其次是它让揭秘变得有趣好笑。

长镜头：很多导演都拍过长镜头，卡拉托佐夫在《我是古巴》里拍过3分22秒屋顶酒会；艾方索‧柯朗在《人类之子》中拍过将近4分钟的飞车追逐；我国内地导演毕赣在《路边野餐》中拍过42分钟内含隐喻色彩的长镜头。

《路边野餐》中的长镜头

无疑长镜头是让人着迷的，因为它“真实”且“控制完美”。

但是拍摄长镜头并不容易，它要求演员无时无刻保持投入状态，并且在表演、台词和调度上不出纰漏。说实话，我们大部分人，连续背诵10分钟的台词都已经不容易，更何况又要保持好表演状态，把它完美地表演（而不是说）出来。

另外，观众也需要进入导演的镜头，并欣赏这个不断发生事件的当下。

为了呈现《摄影机不要停》37分钟长镜头的最佳效果，上田慎一郎把所有调度上出现的问题进行了一一呈现，也因为这样，它才笑料十足（比如给演员题词板），它在打破长镜头严肃感（真实）的同时，又保护了长镜头的完整感（控制完美）。

揭秘过程：后半段揭秘过程是整部电影的点睛之笔。因为那段长视频是直播，所以就要求不能中断，即便导演、演员、道具出现了问题，也要保持所有桥段、剧情和台词的完整。

正是为了守护它的“完整”，这部电影才笑料不断。

在多数人的观念里，拍电影这项工作总有些“高端”，也正因为它的“高端”，才越引发大众的好奇：这么牛逼的特效到底是怎么做的？这么屌的枪战到底是怎么拍的？

人们的窥探欲就是这么强，当我们看到《摄影机不要停》前面的那段长镜头是如此辛苦地“糊弄出来”的时候，不禁大笑：为了拍电影，原来剧组这么能凑合，这么能苦中作乐啊！

就是这种与“高端”之间的反差，能够带给观众极大的娱乐性。

至于《摄影机不要停》是不是神作，等待时间来评定吧！

摄制组在深山的一家废弃工厂拍摄一部丧尸片时，却意外唤醒了真的丧尸...

这是[摄影机不要停！]一个俗套到有些想让人翻白眼的开头，但它后续的展开却完全惊人地偏离了人的预想。

5个多月前，当[摄影机不要停！]初次只在日本的几家艺术影院点映时，很难会有人想到它如今的火爆程度。

300万日元(约合18万人民币)的成本，没有一个明星，前期几乎无宣发，上映后却口碑迅速发酵，几个月突破了百万观众数，揽下超30亿日元(约合1.839亿人民币)的高票房。

不仅如果你是丧尸片、恐怖片爱好者，你不能错过它；但凡你热爱电影、热爱喜剧，你都一定不能错过它。

因为，这是一部写给电影爱好者的情书——

前37分钟丧尸短片展现出来的粗糙、怪异、令人困惑不解的地方，都在电影后半段的拍摄过程一一解开。

难怪有人说，这部片的观感大概就是[房间]和[灾难艺术家]的连映，恰当如是。

当觉得前路漫漫、为梦想很难坚持的时候，看这样一部为电影人写的笑中带泪的情书，会觉得没有人容易，尤其那些预算有限、时间可怜的B级片导演。

B级片，B-movie，并不是通常意义上的一种电影分级，而是从制作投入上划分出来的，低预算影片。

上世纪30年代，有声片开始出现，从默片到有声片的转变扩大了观众群体，让更多人开始走进影院；

再加上当时的经济萧条期，大萧条中的美国人呐，才不管你电影院里放的是什么内容，只要能让人们暂时忘掉那困顿的现实，救济金里掏个几分钱还是很乐意的。

所以，人们也常常用“黄金时代”来形容30年代的美国电影业。

早在20世纪后半期，米高梅、派拉蒙、华纳、福克斯等大制片厂已经形成了一种相对明晰的产业结构图，高投资的A级片也能为他们取得不错的收益。

比如，华纳的有声片[爵士歌手]就以40几万的成本为他们收回了超过350万美元的票房。

©[爵士歌手]剧照

但是，另一面，随着高投入和增多雇员而来的是，很高的投资风险。

那些出身于早期5分钱镍币影院的老板们自然很明白，怎么样节省资金、物尽其用——

在拍摄A级片较长的制作周期间隙，充分利用人员和设备，顺道拍一些低廉的小片。

这样，B级片顺势而生了。

那时的影院，学的是早期歌剧院的模式，几部不同的作品接连上演，先放卡通短片、风光短片等等，差不多了才是正片。

而B级片，往往在正片结束之后放映，几十分钟但不超过一个小时。

©比如1938年的[萨德的朋友们]只有55分钟

比起那些有着大明星、大导演加身，高成本、制作精良的正片，随机附送的B级片根本无所谓题材和质感。

没有明星出演、演员演技感人，场景少，布景、特效低廉简陋，剧情俗套平庸、甚至常出现连贯错误，趣味低级等等特征，就成了B级片的标签。

要说，[摄影机不要停！]里那前37分钟的丧尸短片，就完全可以称作是B级片水准。

B级片这个词，也似乎成了一个暗示着质量低廉、俗套差劲的负面词汇。

美国60年代后，虽然捆绑上映的“双片制”早已取消，但汽车影院、午夜影院的出现，开始让B级片更加兴盛起来。

©60年代的汽车影院推动了B级片的发展

它常常和暴力、恐怖、血腥和情色等剥削题材合流，吸引了当时新成长起来的青年一代观众群。

那时，甚至又出现了比B级片质量更为廉价的Z级片概念，它们也常常被毫不客气地叫做“Trash Film”。

剧本更差、剪辑和灯光更差、演员更差，常常是在电影产业边缘甚至外部制作的Z级片，跟B级片一起，虽然边缘，但也成为电影本身的一部分。

虽然被绝大多数观众瞧不上，但每个时代它也有着属于自己的那一小撮忠实拥蹙在。

吉田大八的[听说桐岛要退部]里，有一个手拿摄影机疯狂执着于拍丧尸片的普通少年前田。

在一次观影冢本晋也那狂暴凌厉的[铁男]之后，他和偶遇的同学激动地聊起自己如数家珍的B级片，对方却连连摇头表示不认识，然后很快走开了。

©B级片[铁男]直接出现在[听说桐岛要退部]里

这种有些伤感的孤独和落寞，大概很真实地代表了很多B级片死忠的感受，可能也是那些一生不被理解、伴随嘲笑而生的失败者导演的心声。

比如，艾德·伍德。

艾德·伍德一生写了至少47个剧本，执导了18个影视作品，监制了12部影片，但他生前，无人识得。

他去世后，被后来的影评人冠之以“历史最差导演”头衔，他的[外太空计划9]也被评为“历史最差电影”。

这才激起了人们对这位从没拍过一部好片的B级片导演的兴趣。

©德普演绎的[艾德·伍德]剧照

蒂姆·波顿为他拍传记片[艾德·伍德]，在电影结束前，让饱尝了无数心酸和挫折的艾德·伍德收获了人们的掌声。

但这是明显虚构的。

他拍第一部电影[忽男忽女]，是在好莱坞寂寂无名混迹良久之后自己争取来的机会——

3天时间写剧本、10天拍摄，3万美元左右的预算。

到了[外太空计划9]时，他更夸张，只花了5天时间就拍摄完成。

当然，当时是无人问津，后来是声名狼藉，缘于这些片子低成本、短时间带来的“粗制滥造”感。

[外太空计划9]里，他用洗得发亮的盘子当飞碟，用纸板来做墓室。

©[外太空计划9]里的飞碟能看到线

仔细看还能看到飞碟飞过时吊的长线，而演员们偶尔还会撞到甚至撞倒那些用硬纸板做的粗糙布景。

同样一个场景，他白天时拍一次，晚上再拍一次，同样的素材在电影前后反复多次出现。

更别提那些业余演员们的尴尬演技了，像是在经常望着提词卡一样的说台词方式，对白写得也无聊又尬。

表现战争时，他更直接把以前的纪录片场景搬出来放进去，这些都让[外太空计划9]成为无可争议的烂片“神作”。

而在传记片[艾德·伍德]里，还有一段他拍[大话原子人之怪兽娶亲]时的悲催场景。

©[大话原子人之怪兽娶亲]里的章鱼怪

他电影的主角大型章鱼怪的道具是全体工作人员半夜去别的片场偷过来的，结果偷得太急还忘了拿章鱼怪的发动机。

没有音响、一晚上要拍25场戏、几乎晚上只睡一小时就接着起来拍、演员们还要泡在水里自己动假装被章鱼怪袭击。

历经这些艰辛过后的电影首映礼，迎接他们的却是观众们冲着演员、导演扔鸡蛋，甚至还差点因为愤怒砸了艾德·伍德的车。

比起令人心疼的艾德·伍德，似乎就连[摄影机不要停！]里剧组为拍摄丧尸短片所付出的一切都不算什么了。

毕竟，被自己的观众用臭鸡蛋丢这种经历，也不是每一个B级片导演都能有的。

艾德·伍德只是其中之一，历史上那些无数个为着“摄影机不要停！”梦想努力向前奔跑的人中的一个。

《纽约时报》曾经这么说过：

[大白鲨]不就是一部高成本的罗杰·科曼电影吗？

罗杰·科曼，另一位B级片之王，一生导过50多部B级片，他曾经用5天时间拍摄了[血流成河]，也曾用两天一夜的恐怖效率拍出过B级片经典[恐怖小店]。

©[恐怖小店]海报

他甚至有一句流传甚广的名言：

电影只有一种拍法：飞快地拍。

为了省钱省时间，他经常让摄影师平常就去追着消防车、救护车拍，甚至拍生活中任何正在发生的动作。

因为，他会直接把素材放进电影里；为此，他甚至自己跑到火灾现场、不顾危险地拍摄大火场景。

放心，这样的大场面拍完之后，他的下部片、下下部片可能都会反复使用这同一素材，绝对不会浪费。

[马诺斯：命运之手]，另一部名垂影史的神级大烂片，常年在最烂top10的榜单，导演阿罗德·沃伦却是一个心怀电影梦的化肥商人。

©[马诺斯：命运之手]海报

包括新世纪以来，烂成史诗级名作的[房间]和[群鸟：震惊和恐怖]，导演托米·韦素和詹姆斯·阮也都是异常“严肃而真挚”的“电影人”。

在詹姆斯·弗兰科为托米·韦素作传拍的[灾难艺术家]里，你可以看到他是多么认真、多么真诚地想拍出一部杰作。

但也是这么用心地拍出了这部哪哪都不对、哪哪都是错的“烂片界公民凯恩”[房间]。

詹姆斯·阮这位越南籍希区柯克铁粉就更有意思，把自己上班以来攒下的1万美金全部用来拍摄[群鸟：震惊和恐怖]，更花了4年时间仔细打磨。

©[群鸟：震惊和恐怖]里的特效

做后期时没钱了，就找刚毕业的特效师来做，这片的特效其实就是把鸟儿复制粘贴了一下而已。

所以啊，别看不起烂片，它们真的也有尊严！

就像[摄影机不要停！]结尾，摇臂摄影机摔坏了，剧组所有人哪怕叠罗汉也要拍出来想要的那一幕。

粗糙是可以的，糟糕也是可以的，但拍片的摄影机不能停！

参考资料：

【1】「カメラを止めるな！」上田慎一郎監督、当初の目標は動員5000人，映画.com

【2】Roger Corman，Wikipedia

【3】B-movie，Wikipedia

【4】Birdemic: Shock and Terror，Trivia，IMDB

【5】B级片历史，电影推荐网，2016.4.6

【6】Funniest B Movies of All Time，PaulDeMerritt，CheatSheet，2017.1.28

【7】他是史上最烂的导演！可他自己却不这么认为，黎小墨，公众号奇遇电影，2016.6.4

【8】Ed Wood：Tim Burton’s Beautiful Ode to a Fascinating Filmmaker, From One Outsider to Another，CINEPHL

作者/卷卷毛

文章首发于微信公众号「破词儿」

微信公众号：moviesss 首发于 MOViE木卫

说来，一镜到底的神话，到底在中国影迷圈，流传了多少年呢？

有许多电影大师以长镜头见长，尤其是欧洲的，贝拉塔尔几位，加上侯孝贤。久而久之，有人形成了思维定势，长镜头差不多等于是技术牛逼的艺术电影代名词。即便不是那样子，长镜头也意味着辛苦工作的脑力结晶，是赌徒导演协调了多方资源，毕其功于一役的疯狂下注。

当年亮相北影节注目未来单元的伊朗电影《鱼和猫》，台湾译名，就叫“一镜杀到底”。更多人知道的，是2015年柏林国际电影节的《维多利亚》，香港人，叫它“一镜柏林”，以及更多淘碟时代影迷所熟知的，俄罗斯狂人索科洛夫的《俄罗斯方舟》。

一镜封喉

显然，片商比任何人都知道，长镜头的卖点，近乎是与观众之间的游戏挑战，仿佛坚持看到底，你就可以寻宝成功。但这些片子，应该都没有2018年度日本现象级电影《摄影机不要停！》来得好玩。

但，说实话，一上来看到片子，我、是、懵、的。

虽然尽量避免被剧透，但隐隐知道，片中好像有个很牛叉的，一镜到底、劈杀丧尸的长镜头。即便日本真人商业电影，总有一股老后破产的衰败劲，但穷人版日本丧尸，也许能窥见《釜山行》的一二神韵。我是这么想的。

导演吼

结果我很快发现，《摄影机不要停！》一上来，好像就是那个要命的长镜头——因为一直不切。

长得有些夏威夷风的山寨日本姜文导演，像一条上了瘾的疯狗，对着女演员狂吼：

NG42遍了，你行不行啊！

你就是假到底了，拿出点真实的恐惧来！！

眼泪，你知道什么叫眼泪嘛！！！

喜剧之王

彼时彼刻，我是心想，什么鬼（此处请脑补一下，周星驰《喜剧之王》的开头），我都想喊CUT了！

事实证明，这个长镜头相当难熬，许多问题不断涌冒出来：

啊，演员的台词接不下去了，他们该要去找手机了……？

导演怎么中二狂魔般，闪现大叫又消失，自带丧尸退避光环……？？

包贝尔为什么坐在门口，完全状况外，而且死活要出去PK僵尸……？？？

摄影机怎么拌蒜栽倒在地上了，长达半分钟之久……？？？？

拌蒜

咦，为何突然变成了手持还带推拉的廉价大特写……？？？？？

匪夷所思的抢戏女二，好比不想死的龙套配角……？？？？？？

请冷静点

还有，怎么突然冒出来一截惊悚的，满是毛孔的大腿……？？？？？？？？？？？

这根本是网大水平的中国电影，而且如此糟糕的长镜头，有人在电影院坐着，真会夺门而出吧。我甚至已经非常无聊的，在找长镜头的连接点（即这个长镜头是后期剪辑合成的）。比如在夺门而出的那一刹那，好像有连接点。

然后谢天谢地，《摄影机不要停！》的片中片终于结束了。

最高潮

原来，观众刚刚所看到的，是电视台的高管，拍脑子想出来的一出好戏。一镜头到底的僵尸片直播，就是最大的噱头卖点。类似的，先来上一部电影（片中片），专搞艺术片的洪常秀就玩过好几次，如《剧场前》和《玉熙的电影》。

所谓直播设定需要，更令摄制组无法中途喊停。而拍摄恐怖电影，途中搞出来诡谲事情，更是常见的剧组八卦，也带有making of的伪纪录片风采。

《摄影机不要停！》美化了电影制作本身的乐趣。我惊喜地发现，在类型片的拍摄现场——无论是学生作业水平，还是一伙草台班底。电影所呈现的内容本身，并不会有太廉价的感觉。即便有人会据理力争，血浆啊，断肢道具，假到不行的，但是，预算不足、美术欠奉的虚假，是符合那部丧尸片的拍摄需要，所以它并不会让人觉得假。

拍摄现场

倒是真的闪回到一个月前，电影跳到了要开始筹备拍摄过程，家中、电视台、大楼下、公园马路边……《摄影机不要停！》只花了20万人民币不到低成本，感觉一下子就出来了。你会惊喜发现（掌握电影的拍摄规律），找一个景要多少钱巴拉巴拉之类的。

这个时候，当你再次被拽进到那个挣脱了生活，陷入不可控的摄影现场，你会发自内心，感受到观看电影的愉悦。无论它是一部像《房间》那样烂的片子，还是任何人都可以嘲笑这伙人不专业（事实又证明他们极力在做到专业）。

排练现场

说到底，再烂的电影，都有一个灾难的、大型车祸现场的拍摄过程，可观众只会（需要）看到成片结果。这在十几年写评论的过程中，一再发生过以下局面：总有许多探班或者身在现场的人会跟我说，这个镜头导演拍得有多苦不容易，那个地方其实真的大家都很努力，再不然是这样那个的原因后期全拿掉了。

显然，许多去过现场的，都会觉得哪怕是一个烂到不值一提的片子，它都有一帮人的心血，有苦劳。但没用。观众只会看到结果，再去想象那个无法还原的现场，更准确说，绝大多数的观众和评论者并不想回到拍摄现场，而更愿意相信，他们所看到的，银幕上的电影，是真的。

你最厉害了

敢于像《摄影机不要停！》那样摆烂，像《灾难艺术家》那样看看人家是怎么玩的，把拍烂片的过程还原 review 一遍的，结果玩味无穷，还真成了。或许，这也是北大毕导演令人感到面目可憎的一点。同是拍烂片的，他非要摆出一副学生会干部训人的姿态，这就很不电影了，很不好玩。

另一面，《摄影机不要停！》也戳破了长镜头的工匠神话。它不仅可以用在艺术片，也可以拿来低成本的商业片里头博大票房。希望另一位毕导演好运。

2016年《滚烫的爱》结尾1

2016年《滚烫的爱》结尾2

总体来说，《摄影机不要停！》还是一部不忘电影初心，姿态低得令人感到好笑的日本电影。用所有资源去做一件事，那些跑前跑后的工作人员，他们是最可爱的人。

助理摄影师

比生命更大

成本18万人民币，票房截止18年10月20日日本就斩获1.8亿，中国目前有点映，结果根本抢不到票。服不服？真正的打脸级杰出作品，打的啪啪啪啪的，打的开开心心，服服帖帖的好电影啊。如果能在中国顺利上，至少2亿起。都说电影越来越难搞，风险越来越大，可是做什么能比这个生意回报率高呢？

这是一部打在脸上，却乐在心里的好电影啊。虽然这残酷无情的大耳刮子扇在大IP大投资大演员们的信徒脸上，可是打的好开心好开心啊。

因为这部电影证明了，没有高成本只要玩命用心，一样可以让观众看的开心，投资人赚的开心，艺术家品的开心。什么叫反套路，什么叫反类型，什么是恐怖喜剧，什么是伪一镜到底假现场直播，又都给你颠覆了一遍。

观影体验犹如置身片场，化身为一个现场参演人员。扛着机器，喷着血浆奔赴现场。火力全开激情四溢的拍片，无所谓xx奖，无所谓最俗的套路，依然可以如此精彩绝伦。

完全忘我的置身其中，创作者巧妙利用了一镜到底、僵尸片这个形式感元素，打破之后，构筑了一个无比真实的体验。

更为难得的是看似low到爆的品相，看到前10分钟会觉得什么鬼，如今还有这么傻的僵尸片？看到一半才知道喔噻如此神奇，导演吃了什么聪明药写这么牛逼剧本？故事意料之外的完整，每个人物刻画的生动活泼，除了主角有完整前史，至少3-4个配角也有很多细节刻画，剧本故事做到这个程度，不要钱演的也会很开心吧。

如此低的成本却一改以往血腥cult小B级片没心没肺，山寨实验，小众恶趣味的特点。父女之间的情感真挚可信，普通电影工作者的可贵的坚持被展现的淋漓尽致。开始36分钟之前，分分钟想弃掉，却发现似乎有点不同。36分之后，立意部分升华居然也非常成功，让大笑之后能清晰体会到这个矫饰时代的荒唐，那就是每时每刻都有视频节目表演着“真实”制作“真实”的人却觉得观众好糊弄，只要来点狗血就行。

其实屏幕上的东西谁会当真呢？这是一个人人能直播，手机抖能拍片的时代啊。套路模式很多，真性情，真实细节的展示却何其稀缺。在这个电影工业越来越制式化、工业规划齐整、各种大人物各种大型意见干预的过程中，内容越来越不纯粹的当下，那些电影似乎讨好了所有人，却无法让人觉得如此这般“真厉害！真细腻！真开心”。

难得一见，导演演导演、演员演演员、化妆道具蒙太奇全在你的眼皮下面“做戏”，你知道他们在表演，但下一步的却在情理之中，意料之外。

除了打脸，更多是鼓励，尤其在这个寒冷的冬天。原来好好做事，认真演戏能带来这么多，这么多强烈的共鸣和认可。

感谢这部电影，在这个寒冷的冬天，带来最热血的鼓励，最及时的能量输入。电影正式上映就去花钱，暂时不要问我哪里下的！

认真做戏！不要停！

欢迎关注我的微信号“剧怒症”：liaoliaopian

原来电影还可以这样拍啊。

这部电影一开始给我的印象，是《听说桐岛要退部》那样的。毕竟都有cult片情意结、都有讲拍电影，以及某种程度上的“戏中戏”设定，还都表达了对电影的热爱。

但其实两者的区别还是蛮大的。《桐岛》中，拍电影只是故事的其中一条线，而《摄影机不要停》则是将“拍拍电影的电影”这一主题贯彻了全片，它没有像前者那样探讨年轻人无处安放的心结，而是纯粹地表现对电影的热爱。

电影最为人称赞的地方在于开头那一段堪称片场灾难的37分钟长镜头，不过在讨论这条长镜头之前，我比较想讨论电影的其它部分。

除长镜头之外，电影对人物的塑造也是相当深刻的。其中最具代表性的是父女的故事线，这一条故事性的设置其实也涵盖了全片的主题，即对电影的热爱。

父亲是一个不算成功的电影人，拍过电影、访谈、MV，可以看得出来在繁琐的工作中，他对妥协是习以为常的，不强求演员真哭，不介意用眼药水，在对待剧组时也是尽可能的和颜悦色——就跟普通的中年上班族一样，被生活与工作磨去了棱角。得不到女儿的认可，包括妻子也不认为他会接下“现场直播长镜头戏中戏”这样的工作。

从父亲在接到工作时的反应来看，他确实是不太愿意接受这份工作的（想必也是因为他知道要拍好有多难），但是为了让刚刚被赶出剧组的女儿开心起来，他最终还是接下了这份工作。

在筹备的过程中，父亲一直周旋在不靠谱的演员、诸多要求的录音师、棱角分明的男一号还有不能被颜“哔——”的偶像女演员之间，这个时候的他依然是如履薄冰，焦头烂额于满足各方需求的。虽然此时的女儿并不会觉得他有多伟大，即便到了片场也还是会嫌他挡住了自己看男一号的视角。

女儿对父亲的认知是在直播过程中逐渐改观的，她发现原来父亲也并非总是那样的窝囊，他其实也不认可那些得过且过的技俩，也很烦自视甚高的艺人，只是为了生活和工作，他必须要将自己的愤怒掩盖在和颜悦色之下，只有到了镜头前，才得以毫无顾忌地将自己所承受的压抑宣泄出来。（虽然还未到中年，但我仿佛也能够理解这种不得不舍弃自己坚持的心态）。

因此，可以说，父女线是作为与片场线这条明线相对应的暗线所存在的，在明线遇到冲突时补充解决方法（从一开始的妈妈代替演员，到中间女儿直接补完中断的剧情，都是起到一个化解冲突的作用），明线提供笑点，暗线推动剧情发展。

而最终，两条线在电影最大的冲突点，即直播将要结束之时汇到一起。已经上头的父亲面对要求随意解决机位的制作人爆发了，女儿明白父亲也是真切想拍好电影的心意，也凭借着她幼时与父亲的经历找到了解决方案，在让电影完成拍摄的同时，也完成了与父亲的和解。这是电影在剧作上的亮点。

另一方面，还有一个值得关注的细节：在电影拍摄的过程中，剧组各方是纠葛不断的，不管是诸多意见的男一号，还是向父亲施压的制作人。但到了最后一个镜头，所有人合力搭起了人肉机架，坚持到直播结束——

然后他们都疲惫不堪地，在笑。

这个过程中，遇到了太多的突发状况与麻烦，有太多的争吵与矛盾，但到了电影杀青的那一刻，大家都在笑。

我想起自己在一次端午假期的时候有去过学姐的剧组（天台戏）帮忙做录音，五月的深圳日光毒辣，两天下来我被晒成了红色。但是我的心情还是比较愉快的——

因为拍电影是一件会让人热爱且沉醉其中的事。

讨论完剧情，我们回到最开始的长镜头。

我很喜欢长镜头。

原因大抵是因为，拍摄一条优秀的长镜头意味着剧组全体人员的高度配合，过硬的运镜水平以及周密的机位及构图设计，很多时候还需要加上一些运气的成分。（这里是否要cue一下毕赣？）

不过在《摄影机不要停》中，它并没有给我们展现一条优秀的长镜头：能把人晃吐的手持、莫名其妙的尬演、还有将镜头对准上楼梯的女主角的屁股（这样真的没关系吗导演！）……电影开头呈现的这段37分钟的长镜头就观感而言实在称不上好，甚至可以说是“长镜头劝退教科书”级别的糟糕。

但当导演告诉我们，这是一个戏中戏的设定时，一切就变了：这条长镜头的全部纰漏都被补上了，它的一切不足都可以被归咎到状况百出的拍摄现场，也就可以理解成刻意而为的设计——换言之，它是一条完美的长镜头。

这是取巧，没错，但除了取巧，我看到的是对电影的热爱。

没有成本（不到18万人民币）、没有卡司（演员几乎都是十八线）、甚至没有技术——我们只是普通人，没有杨索或是卢贝兹基那样的惊世之才，但我们还是可以用自己的方式，拍下影史留名的长镜头，告诉观众，即便是普通人，也能够拍出伟大的电影。